Tomboy

Por: Daniel Molano Quintero
2015-10-29
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En Tomboy Noah Lennox (Panda Bear) muestra una nueva faceta de su vida, y de su música, en la cual tiene que afrontar la responsabilidad de ser padre y de cuidar a los suyos. Como manifiesta en su excelente canción Surfer’s Hymn, usando la metáfora de un surfista, hay que mantener a la gente que es importante para uno en equilibrio y a flote por más de que vengan olas fuertes o mareas altas. Matizando lo anterior, Alsatian Darn exhibe el lado más vulnerable de Lennox, quien acepta tener miedo de no poder mantener a su familia haciendo lo que él quiere. Esto le preocupa tanto, que a veces no puede dormir y, aunque acepta que también toma riesgos irresponsables, pues nunca está seguro de que su música vaya a darle con que vivir, manifiesta que vale la pena superar las dudas y arriesgarse por lo que uno quiere.

Si bien Person Pitch, su disco anterior, habla de sus primeros años en Lisboa, Tomboy nos abre una ventana al día a día de su nueva vida en Europa, a la melancolía que siente a causa de estar lejos de su madre y de su hermano, a sus preocupaciones y a su manera de lidiar con estas situaciones. Por ejemplo, Last Night At The Jetty habla de los sueños y aspiraciones que Lennox tuvo algún día y, de cómo a través de los años ha ido consiguiendo lo que siempre ha querido. En la segunda parte de esta canción, después de un momento absolutamente inesperado y divino, donde Lennox repite desesperadamente que “él sabe”, concluye que hay que aceptarse a sí mismo y que hay que aceptar a la gente como es.

La canción homónima de este disco, Tomboy, es una reflexión de Lennox sobre su vida, su trabajo y de cómo invierte su tiempo. Luego de cuestionarse sobre estos temas, llega a la conclusión de que debe mantener una vida simple y sin pretensiones para ser feliz. Benfica es la conclusión ideal a toda la confusión planteada por Tomboy (el disco): esta canción habla de ganar y de cómo, aunque la gente siempre diga que no es lo que realmente importa, es lo más importante para todas las personas. Incluso, Lennox llega a decir que “no hay nada más importante en la vida” que ganar; aceptando así, su deseo humano de querer ganar siempre.

La nueva dirección en su música se basa en su deseo de alejarse del uso excesivo de samples que caracteriza su disco anterior, Person Pitch. Lennox comenta: “Me cansé de los parámetros estrictos del uso de samples. Pensar en Nirvana y en The White Stripes me dio la idea de hacer algo con un enfoque estricto en la guitarra y en el ritmo”. Lennox logra su cometido con bastante éxito, presentándonos un disco lleno de guitarras y ritmos memorables que en ocasiones dan demasiadas ganas de moverse instintivamente. Afterburner es el ejemplo perfecto de lo dicho anteriormente, pues es imposible no moverse mientras esta canción está sonando.

Tomboy es un muy buen disco que expande el sonido auténtico y sin pretensiones de Lennox en nuevas direcciones. Está lleno de ritmos, de detalles y de texturas increíbles. Sus textos son muy sinceros y es imposible no sentirse conmovido por algunos de ellos. Lo único que me queda por decir, y se me viene a la cabeza la primera canción de este disco, You Can Count On Me, es que espero que podamos contar con que Panda Bear siga haciendo música de esta calidad y dando lo mejor de sí mismo, es algo que la música necesita urgentemente.

 

The Campfire Headphase

Por: Juan Manuel Vásquez Fernández
2015-05-22
9.5 Calificación de los oyentes.
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Desde su niñez, los hermanos escoceses Michael Sandison y Marcus Eoin experimentaron con sonidos de radio, grabaciones de cinta e instrumentos para emular la música de los documentales que veían en la National Film Board of Canada. Era la década de los 70s, esa época retratada en viejas fotos polaroid de los álbumes familiares, cuando no existían ni los mp3, ni los iphones ni internet. Así nació Boards of Canada, un misterioso dúo de música electrónica y ambient que con su tercer EP, The Campfire Headphase, explora esas texturas análogas que se ven reflejadas en la portada del disco. Es una mezcla de sonidos procesados de aeropuertos, de niños, de tormentas de nieve y de unas viejas vacaciones.

Luego de lanzar su primer álbum en 1998, Music Has The Right To Children, los hermanos escoceses exploraron tenebrosas direcciones sonoras con su segundo álbum, Geogaddi, publicado en 2002.  Algunos afirmaban que detrás de las canciones de este trabajo se escondían mensajes ocultos y referencias a la numerología. Como respuesta a este trabajo, Boards of Canada decidió explorar un lado más paisajístico, sicodélico y acústico en The Campfire Headphase. Haciendo referencia a grupos como The Beatles y a su gusto por el campo y las fogatas, los escoceses describen este trabajo como “un álbum de pop que se ha expuesto al sol durante 20 años”.

The Campfire Headphase utiliza elementos folk y ambient, dejando a un lado la repetición constante que utilizaban en sus trabajos anteriores para dar paso a estructuras más complejas. Canciones como 84’ Pontiac Dream y Oscar See Through Red Eye reflejan minuciosos y milimétricos detalles de composición que enriquecen la experiencia del álbum. Así mismo, el grupo explora una faceta acústica en este trabajo, utilizando la guitarra como un instrumento recurrente. La forma equilibrada en que introducen este instrumento, evidente en canciones como la sobresaliente  Dayvan Cowboy, hace que no suene fuera de lugar dentro del contexto de la banda sino como un complemento a su versión más electrónica.

Otro elemento sobresaliente de The Campfire Headphase es la calidad vintage que tienen sus texturas, lo que Sandison y Eoin logran a partir de lo que llaman un “proceso de degradación”. Este proceso evita que el sonido sea puramente digital y completamente limpio, sino que produce imperfecciones a partir del uso de distorsión y otras técnicas de grabación. La canción Ataronchronon muestran esta característica particular, en donde una melodía minimalista se repite pero que evoluciona a partir del proceso de degradación que aplican los hermanos escoceses. Otros detalles que enriquecen la experiencia del oyente son los momentos impredecibles, como el final de la canción Chromakey Dreamcoat, que parece terminar con el clásico sonido de un acetato que se detiene en una tornamesa, pero que luego concluye con una melodía de piano melancólica e inesperada.

Una descripción sinestésica de este disco es posible gracias a su portada: Parece una vieja foto que ha sido afectada por el paso del tiempo, pero que por esa misma razón produce algo mucho más valioso y genuino. Al final, queda un manifiesto de música electrónica accesible y particular, que llama la atención por sus cuidadosos detalles de producción y composición. Puede ser el soundtrack perfecto para un largo viaje, para leer o dormir. Podemos poner atención a cada detalle o dejar la música de fondo, sin que nadie se fije en ella. Aunque si bien es común ignorar la música que nos rodea, vale la pena detenerse y oír lo que estos hermanos escoceses tienen para decirle al mundo.

 

Slaughterhouse

Por: Daniel Molano Quintero
2015-05-20
8.7 Calificación de los oyentes.
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Slaughterhouse es el disco debut de Ty Segall Band. Dos de los miembros de esta  agrupación han tenido carreras notables como solistas durante los últimos años: estos son Ty Segall y Mikal Cronin, quienes colaboraron antes en el LP del 2009, Reverse Shark Attack. En este disco podemos encontrar un sonido muy pesado, intenso, lleno de rabia, de irreverencia, de urgencia y muy corporal, pues hace mover al oyente de una manera casi animal. I Bought My Eyes, que es una excelente canción, habla del arrepentimiento de un hombre que tomó una decisión superficial y lo cambió todo por la plata, hasta a su mujer. Todas las emociones que se pueden derivar del texto de esta canción se refuerzan con la música que lo acompaña: esta canción comienza de una manera agradable e intrigante, pero de un momento a otro se convierte en algo más. Se convierte en algo que afecta físicamente al oyente y que lo hace sentir rabia, arrepentimiento y urgencia sin poder parar de moverse. Es importante oír esta canción (y en general este disco) para entender lo anterior.

En Slaughterhouse (la canción), que simplemente es un minuto y treinta y seis segundos de puro poder y ganas de gritar, Ty Segall Band acepta que “mata cerdos por diversión” y expresa su extraño deseo de tener un matadero “para poder matar a estos cerdos”, “restregárselos en la cara y comérselos” (¿quiénes son los cerdos?). Entre todo este disco, que se caracteriza por ser muy fuerte, esta canción y Oh Mary son probablemente las dos canciones más pesadas, pero al ninguna durar más de dos minutos y ser muy intensas y urgentes, se sienten de una manera, muy extraña, como un descanso. Este aspecto de la duración corta, de algo corto pero muy intenso, también se puede ver a gran escala en todo este disco, que sin contar la canción final, Fuzz War, que realmente es una coda o un outro donde solo hay ruido y distorsión, tan solo dura veintinueve minutos.

Diddy Wah Diddy es un cover de una canción de Bo Diddley de 1956. Para su versión, Ty Segall Band cambia todo y nos presenta una canción excelente, muy auténtica e irreverente que es extremadamente diferente de la original. The Bag I’m In habla de las costumbres y de cómo todos vivimos en una rutina que se repite cada día. Aunque todo el mundo puede reconocer lo anterior, lo interesante acá está en oír cómo se trata un tema como la monotonía y la rutina de una manera tan diferente y extrema como en esta canción.

El género musical en el cual se puede encasillar a Slaughterhouse, y digo encasillar porque este disco es mucho más, es Garage Rock, el cual es una variedad cruda y energética del Rock And Roll que se originó en Estados Unidos y Canadá a mediados de 1960. Tell Me What’s Inside Your Heart es un ejemplo perfecto de lo dicho anteriormente, pues es una excelente canción, muy energética y cruda que parece grabada en un garaje.

Al adentrarse más y más en Slaughterhouse es inevitable pensar en la influencia que bandas como Hawkwind, Black Flag y The Stooges han tenido sobre Ty Segall Band pero, más importante que lo anterior, a medida que pasan las canciones es muy difícil no perderse en este disco, en todo su poder y en toda su ira. Después de unos días, es imposible no querer volver a Slaughterhouse y a todo lo que esto significa.

 

Gemini

Por: Daniel Molano Quintero
2015-05-12
9.0 Calificación de los oyentes.
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Gemini es el disco debut Wild Nothing, banda que fue formada en 2009 en Estados Unidos por Jack Tatum, cuyos proyectos musicales anteriores fueron Jack And The Whale y FACEPAINT. Este es un disco que trata temas sentimentales y que retrata las relaciones en pareja y sus problemas de una manera real, detallada, dramática y algunas veces adolescente con un sonido muy melancólico. Bored Games, que nos muestra a un hombre diciéndole a su mujer: “sé que eres mala, por eso me gustas”, ejemplifica lo anterior de una manera muy acertada, pues nos da acceso a detalles y recuerdos íntimos de una relación.

Summer Holiday, que aunque aparece en Gemini fue lanzada antes de este disco (en 2009), fue el primer sencillo de Wild Nothing. Esta excelente canción nos muestra, desde el punto de vista de un hombre, un poco del día a día (de lo bueno y de lo malo) de la vida de una pareja y, reviviendo recuerdos de paseos a la casa de sus suegros, de cómo él dormía en la cama del hermano de su novia, Wild Nothing logra evocar la melancolía y desesperación que inevitablemente traen este tipo de recuerdos. Esta atmosfera está presente en todo este disco y está acompañada de un sonido muy autentico que refuerza los sentimientos anteriormente mencionados. A lo que quiero llegar es a que desde su primer sencillo, Wild Nothing ha estado construyendo un estilo propio tanto en su música como en sus textos.

En O, Lilac un hombre excusa a una mujer que lo engañó diciendo que él supone que ella no recuerda mucho de lo que paso (refiriéndose a una noche de tragos) para luego, después de aceptar que fue engañado, decirle que se “arrepiente del amor”. Confirmation retrata una relación en la cual dos personas están juntas por las promesas que se hicieron al principio, por la costumbre que se crea con el tiempo. Acá, el hombre le dice a la mujer que solo está “esperando la confirmación” del fin. Cuando dije anteriormente que Wild Nothing retrata algunas veces las relaciones en pareja y sus problemas de una manera adolescente, me refería a canciones como las mencionadas anteriormente, que sin dejar de ser tremendas nos hacen pensar en todas las veces que hemos afrontado nuestros problemas de una manera juvenil: con inocencia como en O, Lilac, o con miedo a la soledad como en Confirmation.

El género musical que se puede atribuir a Gemini es Dream Pop, el cual se puede definir como un subgénero del rock alternativo que depende mucho de las texturas sonoras y de la melodía. Live In Dreams es la primera canción de este disco y de una manera muy efectiva nos muestra un adelanto de lo que está por venir. Solo hace falta oírla para entender el enfoque claro de Wild Nothing en estas texturas sonoras y en la melodía.

De lo único que me queda por hablar es de Chinatown, que es una excelente canción que no puedo sacar de mi cabeza. Esta canción habla de una relación que está muriendo: el hombre repite que necesita encontrar una manera de cambiar esto, de “hacerla sonreír”, sabiendo que es inevitable que todo se termine. Esta canción es un ejemplo perfecto de lo que Wild Nothing hace tan bien. Esto es, hablar de momentos por los que todos hemos pasado de una manera sincera y acompañar esto con un sonido diferente que es inmediatamente agradable, melancólico, intrigante y en ocasiones desgarrador.

 

Love Is Real

Por: Daniel Molano Quintero
2015-05-06
9.0 Calificación de los oyentes.
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Love Is Real es el segundo disco de estudio o LP del artista Norteamericano John Maus, a quien se le asocia con actos como Panda Bear y Ariel Pink, pues ha trabajado con los dos. Los textos de este disco abarcan temas desde lo surreal y lo personal, hasta lo religioso. Como ejemplo de lo anterior tenemos, primero, a My Whole World’s Coming Apart, que teniendo un ritmo muy corporal que invita a moverse a quien la oye, expone una historia de amor en la cual un hombre se enamora, luego le rompen su corazón y por último acepta lo anterior para poder seguir adelante y, segundo, a Tenebrae, que es una canción demasiado intrigante y extraña, que parecería estar hecha para ser cantada en una iglesia, en la cual John Maus, haciendo referencia a una ceremonia litúrgica de semana santa, nos dice que debemos “cantar al misterio de su sangre” y que espera que “su reino venga”. La segunda parte de esta canción es una fuga tocada en sintetizadores que además de ser muy bonita, contrasta de una manera muy fuerte con lo anterior. Esta parte, así mismo, es seguida por un clímax, también muy contrastante, que logra desconcertar al oyente una vez más.

Love Is Real, al igual que su disco debut, Songs, nos muestra a John Maus tratando de definir su estilo musical y los temas sobre los cuales quiere cantar. Dont Worship The Devil comienza con una parte muy confusa y caótica, pues la música es muy bonita pero la voz y la letra contrastan mucho con ella. En el fondo, esta canción habla de las mentiras, del orgullo y del egoísmo y, de cómo desasiéndonos de ellos podemos volver a nacer. La segunda parte de esta canción es solo rítmica y es muy contrastante con todo lo anterior. Sin embargo, de pronto gracias a las texturas que se crean por los filtros y los sintetizadores, esta parte no se siente fuera de lugar. Así que tenemos una canción que usa al diablo como metáfora para hacernos reflexionar y que tiene dos partes contrastantes que, aunque sonoramente son parecidas, presentan estilos muy diferentes. Es este enfoque de sus textos poco centralizado y el carácter único de su música, lo que nos permite encontrar dos canciones así de diferentes (en sus textos, por lo menos) en un mismo disco.

The Silent Chorus es una excelente canción que habla de los momentos que son para disfrutar, para pensar en el futuro (o soñar con el) y para reflexionar sobre el pasado. Estos no son precisamente momentos de celebración, pero si de interacción humana (Maus llega a relacionar estos momentos con alcohol y con mujeres fáciles). Al final, deja claro que aunque estos momentos existen y están bien, son muy superficiales. Es imposible no pensar en esta canción como la banda sonora de uno de los momentos mencionados anteriormente.

Este disco está caracterizado por un sonido basado en sintetizadores y filtros que son muy efectivos creando texturas y música más característica de los años ochentas: al oír la excelente Do Your Best, que habla de ayudar a la gente cuando lo necesita, es muy difícil pensar que esta fue una canción hecha en el 2007.

Con Love Is Real, John Maus nos presenta un extraño e intrigante disco, que con un sonido muy auténtico y característico de un tiempo pasado, pues solo hace falta oír Pure Rockets para sentirse en otra época, logra captar nuestra atención y nos deja reflexionando acerca del futuro de su música.

 

We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves

Por: Daniel Molano Quintero
2015-05-04
10.0 Calificación de los oyentes.
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We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves es el tercer disco LP de John Maus. Este es un álbum muy personal que expone un estilo realmente único, caprichoso y, que además trata con temas personales de la vida del artista. Como evidencia de lo anterior está Streetlight, que es una canción tremenda que con un sonido muy diferente a todo, ejemplifica la música de Maus mejor de lo que las palabras podrían hacer algún día.

En este disco, John Maus sigue la misma línea de su disco anterior, Love Is Real. La diferencia está en que al tratar temas más personales, Maus consigue mucha claridad, la cual se ve reflejada en sus textos y en su música: Head For The Country habla de la identidad humana y de conocerse a sí mismo, pero esto lo hace diciendo que “un ser humano se encuentra a sí mismo en el locker”. Con la metáfora anterior Maus nos da acceso a su vida personal, pues nos hace pensar en los momentos de su infancia que pasó dentro de un locker (bullying), pero como nunca se refiere a sí mismo, lo vuelve algo universal donde dice que los seres humanos “están siempre dentro del locker” y que en vez de querer liberarse de este, deben usarlo para poder ir más profundo dentro de sí mismos y conocerse mejor.

Hey Moon es una excelente e intrigante canción que John Maus le dedica a la luna. También es muy íntima, pues este le dice que su cara pálida lo hace sentir como en casa en cualquier lugar y que él odiaría que ella tuviera que pasar sus noches sola. We Can Breakthrough habla de la superación personal, pues dice que la noche nos llama a todos, pero que podemos avanzar y superarla. La sinceridad acá es total, porque aunque todos sabemos que podemos progresar, superar cosas y seguir adelante, Maus nos lo trata de recordar con esta canción, que no es más que un gesto honesto de su parte.

Este disco es una confirmación y una mejora de las ideas y del estilo musical en el cual Maus ha trabajado por mucho tiempo, pues continua haciendo un uso excesivo de sintetizadores y filtros para crear un sonido más habitual del synth-pop de los años ochentas, pero esta vez nos logra presentar música un poco más limpia (usa un poco menos de filtros en su sonido), e ideas más claras con las cuales es fácil sentirse identificado.

Este disco se acaba con Believer, que es una excelente canción de amor en la cual John Maus le dice a su pareja que juntos, pueden hacer lo que sea. Maus comienza hablando del mundo y de su tamaño abrumador, usando a Jackie Chan y Hulk Hogan para ejemplificar esto. Todo esto lo hace para decirle a su mujer que el amor de él y ella es tan grande que puede estar alrededor de todo el mundo. La segunda parte de esta canción, que es triste pero real, es la conclusión de lo anterior donde, ahora solo, sin su mujer, John Maus repite que “lo llaman el creyente y que él no va a volver”. Cuando pienso en lo anterior y en que esta canción es la conclusión de un disco tremendo (o sea, que este disco se acabó), no puedo evitar sentir melancolía y, es acá donde me doy cuenta que John Maus es un creyente, pues ha creído en sí mismo lo suficiente como para crear un sonido tan único como este. Lo único que espero es que vuelva pronto con un poco más de su música.

 

Cassette

Por: Daniel Molano Quintero
2015-04-29
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Viet Cong es una banda Canadiense (de Calgary, Alberta) formada en 2012. Este grupo está constituido por dos ex miembros de la banda Women, que se acabó en 2012 después de una pelea en escenario durante una presentación en vivo. En este EP (extended play) podemos encontrar una atmósfera realmente confusa y pesada que desorienta al oyente en cada instante, pues lo logra llevar de momentos de euforia pura, a momentos de desesperación y pesimismo con canciones difíciles de oír y que afectan físicamente a este como Structureless Design. La última canción de este EP, Select Your Drone, es un muy buen ejemplo de lo mencionado anteriormente, pues comienza presentado una conclusión perfecta a toda la euforia e ira planteada por las canciones anteriores para, de una manera muy inesperada, desorientar al oyente una vez más.

Unconscious Melody es una canción tremenda que habla de como las distracciones no nos dejan pensar claramente y de la consecuencia de estas, que es dejar de sentir. Es imposible no pensar en Women apenas empiezan las guitarras de esta canción. Pero, es aun más difícil no pensar en The Smiths cuando Matt Flegel, el vocalista de Viet Cong, comienza a cantar. Esto no es una coincidencia, pues en una entrevista Flegel se refirió a “Morrisey, el Morrisey de The Smiths” como una de sus influencias más claras en el momento de escribir las letras de sus canciones.

El momento más eufórico de este EP, Dark Entries (un cover de Bauhaus), es un ejemplo perfecto de caos puro. Pero eso no es algo malo, pues este es un tipo de caos que hace que el oyente se mueva instintivamente. Con esta excelente canción, Viet Cong logra que su música tenga un efecto físico sobre las personas, pues es realmente difícil no moverse mientras suena esta canción (creo que el sonido de gente en el fondo, como si esta canción estuviera sonando en vivo tiene mucho que ver con lo anterior).

El estilo musical de Viet Cong ha sido descrito como post-punk: este término se refiere a un género que es un poco más experimental que el punk, pues logra incorporar elementos como sintetizadores y repetición extensiva al género. Estos elementos están presentes en todo este EP y dan como resultado un sonido bastante auténtico con texturas increíbles.

Oxygen Feed es una canción que retrata lo últimos momentos de vida de una persona y que muestra un poco de la aproximación a temas existenciales presentes en este disco. Es precisamente este sonido existencial y lleno de caos el cual hace de Cassette un debut muy intrigante que en ocasiones logra trascender de ser solo música a también ser algo corporal que afecta físicamente al oyente. Este fenómeno no es fácil de encontrar en la música y esta no es la única canción en este disco que logra hacer esto.

 

Person Pitch

Por: Daniel Molano Quintero
2015-04-29
9.5 Calificación de los oyentes.
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Noah Lennox (Panda Bear) se mudó a Portugal en el 2004, este álbum es el resultado de sus primeros años lejos de su país de origen: en este tiempo se convirtió en padre, contrajo matrimonio y consiguió su independencia lejos de su casa y de su familia. Estos hechos biográficos se evidencian por todo Person Pitch. Comfy in Nautica y Bros son dos odas a la individualidad: la primera habla de hacer la cosas bien, de crecer y de arriesgarse por lo que uno quiere. La segunda es una canción de Lennox dedicada a su hermano, en la cual, sin dejar de decirle cuanto lo quiere, le pide madurez y espacio para sí mismo mientras trata de acoplarse a su nueva vida en Lisboa. En I’m Not, Lennox muestra su lado más sincero, pues con pocas palabras nos hace entender que no está listo para afrontar la paternidad.

Estilísticamente Person Pitch es un paso en una dirección muy diferente a la del álbum anterior de Panda Bear, Young Prayer, el cual fue escrito y grabado después del fallecimiento de su padre. Con un sonido y un carácter mucho más alegre y optimista que el de sus discos anteriores, Person Pitch avoca a The Beach Boys como su influencia más clara.  De acuerdo al cambio de atmosfera en su música, Lennox comenta: “También las cosas que me han pasado en los últimos dos años,  como casarme y tener un hijo, han tenido un impacto bastante profundo en el tipo de música que hago y en el tipo de temas que trato”.

Las letras de las canciones en este disco son increíblemente claras y sinceras: Take Pills es acerca de cómo su madre afronto y vivió la muerte de su padre y Ponytail, el gran y muy sencillo cierre de este disco, nos habla del deseo y apetito insaciable de Lennox de crecer y de mejorar día a día. Esta canción funciona como su conclusión después de reflexionar sobre temas que todos afrontaremos algún día como la paternidad, la individualidad, el crecimiento personal y el temor a lo desconocido.

Vale la pena mencionar que la mayoría de canciones de este álbum están basadas en loops de samples sacados de otras canciones. Es sorprendente como Lennox logra explorar y explotar este método con tanto éxito y competencia: por ejemplo con canciones de 12 minutos, como Bros y Good Girl / Carrots, completamente competentes, emocionantes e intrigantes con secciones contrastantes bastante claras.

Aunque es difícil recomendar canciones con esta longitud porque pueden ser difíciles de oír y de seguir con atención, lo hago. Pero más que una simple recomendación, le sugiero al oyente tomarse el tiempo de oír, analizar e interiorizar no solo estas dos canciones, si no todo este álbum, pues tiene un sonido muy auténtico y muy original, lleno de texturas y de matices increíbles, con letras claras y muy sinceras con las cuales muchos de nosotros nos podemos sentir identificados.

 

Viet Cong

Por: Daniel Molano Quintero
2015-04-29
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El existencialismo es un tema habitual en la música de Viet Cong, sobre todo en este, su primer disco de estudio o LP. Sin embargo, este tema no es tratado con tristeza ni depresión. Al contrario, Viet Cong tiene la habilidad de tratar este tipo de cosas, que han sido tratadas tantas veces con un tono dramático casi inmaduro, con rebeldía y melancolía. Por ejemplo, la excelente canción Continental Shelf trata temas como la impotencia y la falta de esperanza con un sonido muy oscuro y pesado, pero al mismo tiempo lleno de irreverencia e ironía. En el otro extremo, tenemos a Silhouettes, que siendo una tremenda canción llena de rabia que hace que el oyente se mueva instintivamente a su ritmo, habla de cómo todas las cosas pasan y se convierten en memorias solo para a la larga, ser olvidadas.

Cassette, el trabajo discográfico anterior de Viet Cong, nunca establece ninguna zona de confort, pues los cambios de atmósfera en este EP van desde picos de euforia hasta momentos de desesperación muy fuertes. Como paralelismo, en este disco (en Viet Cong) tenemos a March Of Progress, que es una burla de toda esta cobardía y comodidad, pues habla de como nosotros (los seres humanos) llevamos nuestras vidas de una manera segura y conservadora pero, al mismo tiempo es una canción complicada y coherente con una introducción muy larga basada en repeticiones de un mismo elemento, partes contrastantes con cambios inesperados y texturas increíbles logradas por la distorsión en la guitarra y en la voz.

Bunker Buster es rebeldía pura: esta canción habla de cómo la gente presume sobre sus éxitos, cuando al final estos logros no son más que cosas normales sobrevaloradas de manera incompetente y Pointless Experience es puro existencialismo, pues nos dice que no hay razón para estar despiertos, que “con suerte podremos envejecer y morir” y califica la vida como una “experiencia sin sentido”.

Es increíble ver como esta banda ha seguido adelante profundizando y explorando su sonido: con más énfasis en la repetición y en el uso de instrumentos no habituales del punk, como sintetizadores. Si bien su sonido sigue siendo muy pesado y pesimista, la coherencia en sus letras ha aumentado considerablemente en comparación a su disco anterior.

Death, el cierre de este disco, es una canción que durante 11 minutos muestra lo que Viet Cong hace tan bien. Esto es, hablar de temas difíciles y existenciales en los cuales todo el mundo piensa, pero acompañarlos de música que tiene un impacto físico sobre el oyente. En este caso, tenemos una canción con dos secciones contrastantes partidas por un parte intermedia llena de repetición, que puede llegar a desesperar al oyente por su longitud. Pero si este sigue adelante, y le recomiendo hacerlo, va a encontrarse con una conclusión pertinente a todos los swings de emociones planteados anteriormente. Con este disco, Viet Cong se aleja de los lugares comunes en su música planteados por su trabajo anterior (Cassette) y decide ir más allá.

 

Panda Bear Meets The Grim Reaper

Por: Daniel Molano Quintero
2015-04-29
8.5 Calificación de los oyentes.
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Panda Bear Meets The Grim Reaper es otra muestra de absoluta sinceridad por parte de Noah Lennox (Panda Bear): este disco es una puerta a la vida de un padre de 36 años que vive en Lisboa, lejos de casa, hace diez años y que está dispuesto a cantar acerca de las cosas que le preocupan cada día sin pretensiones ni mentiras. En sus palabras, este disco “es acerca de presentar algo con lo que no nos es fácil lidiar con un disfraz que es un poco más irónico”. Mr Noah es una canción que hace referencia a su propio nombre, muy corporal (es imposible no moverse con su ritmo) y personal, en la cual usa la metáfora de un perro con un golpe en una pata para hablar de su ego herido y en la que también dice que algunas veces no se quiere levantar de su cama a menos de que sienta que es justificado.

En comparación con su disco anterior, Tomboy, Panda Bear Meets The Grim Reaper  trata temas un poco diferentes que se centran alrededor del crecimiento personal. Sin embargo, Lennox quería llevar estos temas un paso más allá de las experiencias personales para evitar “obsesionarse consigo mismo y ser narcisista”:  la increíble canción Tropic Of Cancer es claramente acerca de su padre, quien fue diagnosticado de cáncer en el 2004, y quien falleció posteriormente. La diferencia está en el tono en el cual Lennox discute esto, pues aunque está hablando de una experiencia muy personal nunca se hace protagonista de su propia canción. Al contrario, hace al oyente protagonista de todo esto refiriéndose directamente a él y convierte esta canción en algo que va más allá del cáncer: la convierte en una reflexión acerca de la enfermad de un ser querido, de la simpatía que hay hacía este y de cómo hay que aprovechar todos los momentos y las cosas que pasan, buenas o malas, pues estas nunca volverán.

Selfish Gene es una canción en la cual Lennox habla del trabajo duro como método para alcanzar lo que uno quiere: nos dice que aunque muchas personas hablen de su éxito como consecuencia del destino, probablemente estas también estuvieron asustadas y tuvieron que trabajar duro por sus objetivos. Al final, nos dice que la solución a nuestros problemas no tiene nada que ver con lo superficial y mucho menos con lo físico. De hecho, nos recomienda rechazar las apariencias externas como solución a nuestros problemas internos.

En Panda Bear Meets The Grim Reaper, Lennox abandona el uso excesivo de guitarras rítmicas y comienza a usar sonidos de sintetizadores mucho más habituales y característicos de la música electrónica. Sin embargo, continua haciendo gran énfasis en el ritmo logrando canciones como Boys Latin, la cual es un llamado a la conciencia, pues nos muestra como muchas veces las personas actúan sin pensar y no aprecian las cosas que tienen ni a la gente que está a su alrededor.

Hay algo muy raro que ocurre con las canciones de cierre en los discos de Lennox, pues de una manera muy concreta logran sintetizar y concluir todo lo propuesto anteriormente. En este caso, Acid Wash, usando la metáfora del fénix que renace de sus cenizas, dice que hay que sobreponerse a las situaciones adversas, que son planteadas durante este disco, y crecer de estas. Esta canción también simboliza el final de un viaje lleno de inseguridades, introspección y sabiduría. Un viaje tremendo que no es más que música por la cual es imposible no sentirse conmovido. Este es un viaje que sin duda recomiendo al oyente tomar.